Nuestros talleres no son clases de pintura al uso. Cada formato parte de una restricción concreta —un número de tonos, un soporte, un tiempo limitado— y se construye alrededor de ella. Antes de apuntarte conviene saber qué obtienes y en qué se traduce dentro del estudio.
Empezamos trazando retícula y decidiendo qué celdas se eliminan. Aprendes a pensar la composición como una resta, no como una acumulación de gestos. Al salir, tienes un criterio propio para juzgar cuándo una pieza ya está cerrada.
Trabajamos con tres valores: un claro, un medio y un oscuro. La limitación obliga a resolver contraste y volumen sin recurrir a mezclas complejas, y hace visible dónde falla una forma cuando el ojo no la completa.
Lienzo, tabla deDM y papel de algodón de 300 g. Explicamos cómo absorbe cada superficie, cuántas capas finas admite antes de perder la textura y por qué conviene documentar cada prueba antes de pasar al formato definitivo.
Máximo ocho personas por sesión para que haya tiempo de revisar cada pieza en mesa. Entre sesiones puedes enviar fotos del avance y recibir notas concretas sobre proporción, borde y equilibrio del vacío.
Cerramos cada ciclo con una instalación interna en el estudio. Aprendes a colgar en serie, a decidir distancias y a leer cómo cambia una obra cuando comparte pared con otras. Es la parte que casi nadie enseña.
Hay itinerarios de iniciación centrados en el retrato abstracto y otros de profundización sobre composición modular. Si dudas cuál encaja, revisa los formatos disponibles o consulta los materiales de lectura previa.
En Madrid hay muchos sitios donde aprender a pintar. La diferencia aquí no está en el material ni en el tamaño del aula, sino en el método: cada sesión parte de una restricción concreta y se trabaja hasta agotarla. Nadie sale con un cuadro bonito por accidente; sale con una decisión tomada y entendida.
Si vienes de una academia clásica, notarás el cambio en la primera hora: no corregimos proporciones, discutimos qué quitar. Puedes ver el enfoque completo en los formatos de trabajo del estudio antes de decidir.
Seis personas como máximo por turno. Permite revisar cada lienzo en profundidad y ajustar la paleta sin que la sesión se convierta en una demostración.
Trabajamos con acrílico sobre tabla y papel de gramaje alto. Todo el soporte se prepara en el estudio para que la primera capa no dependa de improvisaciones.
Tres tonos, una retícula, una línea. Cada propuesta limita las variables para que el ojo aprenda a leer contraste y vacío en lugar de acumular detalle.
Se entregan notas escritas tras cada encuentro. Sirven para continuar en casa sin perder el hilo del ejercicio y llegar al siguiente turno con avances claros.
El taller no promete un estilo propio en pocas semanas. Lo que sí ofrece es un criterio: saber por qué una composición funciona y por qué otra se cae. Si quieres ver cómo se aplica ese criterio a piezas terminadas, revisa los recursos y referencias del estudio.
Cada proyecto del taller sigue una secuencia que ya hemos repetido decenas de veces y que nos evita malentendidos. No es un protocolo rígido: es una forma de ordenar decisiones sobre formato, soporte y grado de abstracción antes de tocar el lienzo. Estos son los pasos que verás si nos escribes para una pieza, una serie o una intervención de pared.
Hablamos por teléfono o en el estudio sobre el espacio donde irá la obra, la luz que recibe y qué idea del rostro quieres explorar. Aquí se decide si el encargo pide una pieza única o una serie corta.
Preparamos dos o tres propuestas en papel con la retícula, el contraste previsto y la reducción cromática. Solemos trabajar con tres valores como máximo para no perder la tensión del vacío.
Aplicamos capas finas sobre lino o tabla, dejando secar entre sesiones. Documentamos el avance con fotos para que puedas seguir el proceso sin tener que venir cada semana al taller.
Revisamos la pieza contigo, ajustamos barniz o bastidor si hace falta y coordinamos el transporte e instalación en la pared prevista. Después queda el seguimiento de conservación.
Si quieres ver cómo se aplican estos pasos en encargos reales, revisa los formatos de trabajo del estudio o vuelve al inicio para situar cada etapa dentro del conjunto del proyecto.
No todos los proyectos llegan igual. Algunos vienen con una idea cerrada y necesitan solo producción; otros empiezan como una duda sobre composición y acaban definiendo una serie completa. Estos son los tres modos con los que trabajamos habitualmente en el taller de Doctor Fourquet.
Una jornada de trabajo compartido en el taller. Se revisan referencias, se prueban bocetos sobre papel y se decide qué merece pasar a lienzo. Útil cuando el proyecto todavía no tiene forma y conviene discutirlo delante de la obra.
Seguimiento de un conjunto de piezas a lo largo de varias semanas. Revisamos avances, ajustamos paleta y corregimos composición antes de que el error se consolide en el soporte. Pensado para quien ya trabaja y quiere ordenar un cuerpo de obra.
Desarrollo de una pieza o serie con un destino concreto: una pared, una sala, un espacio de paso. Aquí el formato, las medidas y el montaje se acuerdan antes de empezar, y el estudio se encarga de la producción completa.
Si dudas entre un formato y otro, lo normal es empezar por la sesión de estudio. En una sola jornada se ve con claridad si el proyecto pide acompañamiento largo o si conviene pasar directamente a un encargo con condiciones cerradas. Puedes revisar también el planteamiento del estudio antes de decidir.